El esfuerzo que se hace, por parte de OMNI MUSIC, merece elogios. Podría parecer que no lo vale, puesto que su motivación es hacer un negocio, lo cierto es que no es posible realizar este proceso de enseñanza sin garantizar su sostenibilidad. Y en el medio, hay que hacer algún negocio.
Pero la importancia de enseñar música se ha visto degradada a lo largo de nuestra historia reciente. Por ello, es triste observar la ignorancia musica.
Al principio me sorprendió la noticia que el premio Nobel de literatura para este año, 2016, había sido dado a Bob Dylan. Me alegró mucho, pero tardé un tiempo en asimilar la noticia. Entonces recordé algunas canciones de Bob Dylan, como Blowin´ in the wind, Like a rolling stone, y otras más que fueron, y lo siguen siendo, canciones que es difícil dejar de admirar su melodía y su letra. Fue una época, cuando las canciones anteriores fueron hechas, de grandes movimientos en todo el mundo occidental. Y con lo dicho no es posible abarcar el complejo mundo en que se vivía y las crisis que surgían en todos los continentes. Fue la época de la guerra del Vietnam, gran fracaso -y que tratan de olvidar, de los Estados Unidos; fue la época de los hippies, fue la época en la que la juventud francesa se tomó las plazas y se manifestó; África ya tenía a su sacrificado Patricio Lumumba y las guerras tribales se gestaban... Pero me detengo acá, pues no trato de expresar opinión de lo que pasaba en la época en que Bob Dylan, el Nobel, comenzaba a escribir sus poemas. Pero así estaba el mundo en esos años.
Luego de oir la noticia corrí a oír las canciones de Dylan. Me metí en la máquina del tiempo y pude ver esa época. Me sorprendió entonces el recuerdo de las conversaciones que teníamos con mi amigo, y si puedo decirlo, mi hermano, Rafael (Lito) Cornejo. No era sobre Dylan, sino sobre The Door y su líder Jim Morrison y sobre otros cantantes y grupos. Recuerdo que estabamos de acuerdo al decir que vendría una época en la que estos autores serían reconocidos como grandes creadores de la palabra y que la gente se pararía para oír sus poemas-melodías. Y así llegó el día en que uno de los que aún viven pudo obtener un reconocimiento como el Nobel. Y hay muchos que ya traspasaron esta vida que pudieron haberlo obtenido: Morrison, Peter Seeger, maestro de maestro y otros más que los que los distingue no solo es su música, sus letras o poemas, sino su compromiso con la vida: nunca voltearon los ojos a la realidad y cantaron sobre lo que veían y lo que sentían. Y hay más poetas a quien premiar, conste.
Hace algún tiempo escribí sobre lo que consideraba los bateristas más famosos y que, posiblemente, puedieran considerarse los mejores de su género. Pero el tiempo pasa, uno disfruta el oír música de todo tipo y toda clase de músicos y, al disponer de un buen repertorio musical, uno puede seleccionar la música que puede gustarle y reconocer el virtuosismo de cada uno de los músicos.
La batería no solamente es un instrumento que forma la base rítmica de cualquier melodía, sino que también tiene su propio lenguaje que determina en gran medida el contenido de la música. Y es claramente distintivo el hecho que un tipo de sonido, que me niego llamarlo música, como el reguetón, no tiene la riqueza rítmica del rock. Basta con oir lo grandes grupos musicales para saber qué es lo que trato de indicar.
Uno de los representantes notorios de los bateristas es Cozy Powell, un típico miembro de la generación endemoniadamente fabulosa del rock inglés (debería de decir bloody drummer, pero me abstenco). Lamentablemente falleció en un accidente que lo buscaba hasta que lo encontró: a más de 160 km/hr, con alcohol en su sangre y hablando con celular. Pero su música ha quedado grabada.
Podría mencionar otras más, pero bastan con este grupo de cinco. Hay que oír la batería, cómo habla, cómo cuestiona, como predica, como grita. Fabuloso. Descansa en paz, Cozy Powell.
"Cogito, ergo sum": Pienso, luego existo. Y de ahí en adelante, un sinfín de filósofos que repitieron ad infinitum estas palabras y le dieron tomos y tomos de libro para demostrar que así es la cosa. Pero vino alguien y me dijo (y acá me abstengo de contar toda la historia): Danzo, luego ¡VIVO!
No vayamos lejos, una piedra existe; pero no piensa. Al menos no en el sentido en el que creemos que es pensar. Existe y me lo ha comprobado el miedo que le tengo a alguien que me amenaza con tirarme una piedra. Se que me va a doler. Y nadie me puede convencer que no existe. Al contrario, yo si puedo convencerlos que existe la piedra.
Teorías sobre la danza hay muchas. Pero yo la defino como una expresión corporal del ser humano. Así de simple, amparado en mi propia y pequeña experiencia con relación a la danza. Y a lo largo de la historia es una expresión que ha acompañado a todos los pueblos. David danzó frente al arca; los egipcios representaron la danza que disfrutaban los faraones; los griegos tenían sus propias danzas, y así podríamos mencionar a todos los pueblos de todas las épocas y sitios del mundo en los que la danza no ha faltado. Podríamos creer que los pueblos que no danzan, aparte de ser pueblos tristes, son pueblos que entran en decadencia antes de haber florecido.
A mi me gustan las danzas de todos los pueblos. Unas más que otras. Todas tienen su gracia, producto de su historia. Ciertamente hay un mensaje en cada danza, una idea, algo que se transmite desde quien danza hacia quien disfruta la danza.
La historia de los famosos, cuando es llevada al cine, es una medida de leyenda, otra de realidad y mucha de invención. Pero si esta es un historia en la que la parodia es la que lleva el guión, parecería que la vida es mucho más verídica.
La historia de The Beatles, contada por la historia de Eric Idle, me parece más "real y apegada a los hechos" que la que siempre he leído sobre el cuarteto de Liverpool.
Recomiendo, pues, "All you need is Cash", la película o documental sobre estos genios musicales.
Entre otros, se puede ver a Mick Jagger, Bill Murray, opinando sobre este fabuloso grupo.
Recuerdo cuando vino Sandro al país. Eran los inicios de los años de la década de los 1970. Se presentó en el cine Terraza, en la Colonia La Rábida. Era un cine grande, en el que se presentaron las películas más representativas de la época: Jesus Christ Superstar, Woodstook, La leyenda de Billy Jack, y otras que vi más de tres veces seguidas. El cine se llenó. Pero en ese entonces no estaba en mi época romántica, pues Sandro era conocido por sus canciones como Mi Amigo el Puma, Rosa Rosa y otras más.
Pero Sandro no sólo era el baladista con un ritmo erótico que abrió ese tipo de espectáculo a otros artistas que le siguieron en otras partes de América. También es uno de los que introdujo el rock en nuestro continente. Aunque en alguna medida comenzó como todos los que quieren llevar un nuevo ritmo en selvas vírgenes, con Covers traducidos al castellano. Tales como las canciones que sacó en la época con Los de Fuego.
Sandro y Los de Fuego: Música y Rock and Roll
A lo lejos se puede decir que no estuvo mal. Pero faltaba el impulso de sus muchas canciones que le siguieron y que lo asentaron como uno de los mejores exponentes de la música popular latina. Si no, les invito a oírlo con canciones como: Quiero llenarme de ti, Rosa Rosa, Mi amigo el puma (que en la versión de Los Polivoces es inolvidable - si alguien la tiene grabada, por favor, ¡publíquela!), Penas, y otras muchas más.
Leía que Sandro tenía el estilo de Raphael Martos de España. Cierto, podría decir; sin embargo, la sensualidad que destila en su mirada y en sus movimientos no se comparan entre ambos artistas. De este último podría decir que hay más teatralidad que emoción, mucho menos sensualidad. Descansa en Paz, Gitano!.
Leyendas, o legendarios. Cada uno de los integrantes de la banda FREEBASS tiene una historia que ha dejado huellas en la música moderna. Oír sus diversas creaciones nos lleva, o nos eleva, a estratos lúdicos muy difíciles de soltarlos.
Peter Hook
Últimamente me he concentrado en oír lo que habla la batería. Freebass, me ha obligado a oír el resto de los interlocutores. Hay tres bajos hablando. Uno, en el fondo.Otro en el medio y, finalmente, el más alto. Cada uno con un verso, una oración, conjugándola con el del resto.
La letra de las canciones, muy buenas. Abiertas a muchas interpretaciones, pero sin enigmas.
Freebass es un grupo formado tres bajistas: Peter Hook (Joy Division, New Order); Gari Mounfield (The Stone Roses, Primal Scream), Andy Rourke (The Smiths), que ya no está. El cantante es Gary Briggs (Haven). Basta ver cual ha sido el camino de cada uno para entender el poder que emana de este grupo. Hay sinergia, de la mejor que puede haber en el rock. Hace poco oía a New Order, por ejemplo, y tuve que obligarme a salir a la calle para dejar de oírlos. Y ahora, que oigo a Freebass, me pasa lo mismo.
A raíz de Carta Abierta a Daddy Yankee, quise conocer un poco sobre lo que propone este tipo. Me encontré que no propone nada, ni musical ni poeticamente, mucho menos políticamente. Bueno, me equivoco, pues realmente propone seguir con lo mismo, sin salir de la pobreza mental que nos quieren mantener. No le recomiendo a nadie que lo escuche. No vale la pena. Si lo escucha, comprenderá que ha perdido miserablemente su tiempo.
Recuerdo la época en que en la TV transmitían el Show de Tom Jones. Fue uno de los mejores cantantes de dicha época. Aún canta y baila, me parece. Siempre me impresionó el guitarrista que salía con él, Big Jim Sullivan. En esa época, junto con Jimmy Page, formaban parte de los guitarristas de élite, apoyando grupos en sus grabaciones.
Big Jim grabó más de 1,000 discos. 50 de las canciones que grabó en Inglaterra fueron número uno en el listado de los éxitos de ese país.
En el obituario que The Guardian escribió sobre él, leemos: nacido el 14 de febrero de 1941, murió el 2 de octubre de 2012. A los 16 años aprendió a tocar guitarra y en 1960 se unió en un tour musical con Eddie Cochran, en la época que Cochran murió en un accidente de carro.
Posteriormente continuó su carrera con cantantes como Frankie Vaughan, Dusty Springfield, Tom Jones, Engelbert Humperdink y otros más.
Mis recuerdos se remontan, como dije, al show de Tom Jones. Me impresionaba su forma de tocar la guitarra y de sostener diálogos con el cantante. No se si me equivoco, pero temí por su vida, pues me parece algo lo puso mal en algunas presentaciones. Lo cierto es que siguió tocando y grabando, aunque los créditos siempre quedan ocultos por la fama del grupo o cantante.
¿Cuál es la cumbia verdadera? Creo que todos tendríamos que estar de acuerdo que nace, es originaria, de Colombia. Su ritmo, sabroso realmente, hace mover los pies, la cadera y hace crecer la sonrisa. La respuesta es la misma en la pareja que nos puede acompañar.
Que yo recuerde, la primera cumbia de la que tengo memoria es "La India Motilona" y todavía la disfruto. Y realmente no me interesa quien la compuso o quien la interprete. Me mueve al baile.
Luego, después de oír la cumbia mencionada, la otra que recuerdo es "La Bala", interpretada por la Orquesta de Los Hermanos Flores, orquesta que representa lo mejor de las orquestas de nuestro país, a pesar que se puede mencionar otras que, a mi juicio, pueden ser mejor. Ejemplo, la Orquesta de Paquito Palaviccini, la Orquesta Internacional Polío. Sin embargo, es de otra categoría, diferente a la cumbia. Sólo hay que recordar que el maestro Paquito fue el creador de el Xuc. Es una lástima que todavía no se ha retomado este ritmo muy movido (Adentro Cojutepeque).
Es interesante que cada país ha sacado su versión de cumbia. En México, guardando la misma armonía, pero con una menor frecuencia, también se puede encontrar una cumbia más pausada. Saca menos sudor, pero es interesante. Ninel Conde, con su Bombón Asesino es un ejemplo clásico de este tipo de cumbia que arrastra los pies al bailar. Pero no todas las cumbias mexicanas son iguales. Aunque con un aire proveniente de varios estilos, con su Chuntaro Style, El Gran Silencio también desarrolló un poco su cumbia estilo, diría yo, nor-mejicano.
Ecuador tampoco podría estar alejado de la Cumbia. La base, ritmo sabroso (2/4), también comienza a subir los Andes. Perú no puede ser la excepción y también aporta otro sabor a la cumbia. Pero el corazón del ritmo no se pierde. La puedo bailar con todas mis amigas, si quieren bailar conmigo.
Y en Argentina, El Chávez ha jurado barrer con el rock. No creo que logre barrer ni una mínima parte. Pero su cumbia está muy buena.
Una de las mejores bandas de finales de los 60s, del siglo pasado, fue Crosby, Stills, Nash & Young. Se caracterizó por su calidad de la armonía de sus cuatro voces. En un inicio fue un trío. Finalmente, Neil Young se les unió. Aunque ya tenían millas recorridas con David Crosby (The Byrds), con Graham Nash (The Hollies -Inglaterra), Stephen Stills (Buffalo Springfield) y Neil Young que también venía de la misma agrupación de Stills. La Suite: Judy Blue Eyes fue su primer éxito en esta pequeña tierra de volcanes. Recuerdo lo que se comentaba sobre Stephen Stills, que había estudiado en la Escuela Americana en El Salvador y que por eso se le oye balbucear algunas palabras en castellano, sobre todo el típico "Vaya" que se oye en las conversaciones diarias.
Este grupo tuvo varios éxitos, como Marrakesh Express, pero tuvieron poca vida artística. Y, como todos los ancianos rockeros, aún se dedican a dar conciertos nostálgicos y que valen la pena de ver.
Su gran actuación en Woodstock le valió su inmortalización en el recuerdo de la generación que protagonizó este concierto de tres días.
Uno de los primeros acetatos que se compró en casa, por mi hermano mayor, fue el primer long play de CCR, un grupo musical icono de la música swamp rock. Y casi todas sus canciones fueron éxitos en su momento, en este pequeño territorio nacional. El grupo, compuesto por los hermanos Fogertty, John y Tom, y de Stu Cook y Doug Clifford, tuvo una trayectoria muy corta, pero significativa. Su sonido es singular y es difícil no reconocer su ritmo y melodía al oirlos.
Bonita - The Blue Velvets
Primera banda de lo que sería CCR
Tom, John y Doug formaron la primera agrupación de lo que se tornaría CCR, llamada Blue Velvets. Luego, formaron la llamada banda The Golliwogs. El sonido CCR, Swamp Rock, todavía no se asomaba.
The Golliwogs-Tell me
Basta oír Tell me, de The Golliwogs para identificar la voz de John Fogerty, pero no su típico ritmo.
En lo personal no se cual canción me gusta más. Proud Mary, probablemente, es su mejor canción. Aunque mucha gente piensa que es de Tina Turner, pues también con ella fue un éxito comercial, cantada con una fuerza y potencia tremenda.
Podría recomendar de todas, todas. Pero la que me parece fabulosa y que, me parece, refleja toda una época, es FORTUNATE SON:
Creedence Clearwater Revival
JOHN C. FOGERTY
Some folks are born to wave the flag,
Ooh, they're red, white and blue.
And when the band plays "Hail to the chief",
Ooh, they point the cannon at you, Lord,
It ain't me, it ain't me, I ain't no senator's son, son.
It ain't me, it ain't me; I ain't no fortunate one, no,
Yeah!
Some folks are born silver spoon in hand,
Lord, don't they help themselves, oh.
But when the taxman comes to the door,
Lord, the house looks like a rummage sale, yes,
It ain't me, it ain't me, I ain't no millionaire's son, no.
It ain't me, it ain't me; I ain't no fortunate one, no.
Some folks inherit star spangled eyes,
Ooh, they send you down to war, Lord,
And when you ask them, "How much should we give?"
Ooh, they only answer More! more! more! yoh,
It ain't me, it ain't me, I ain't no military son, son.
It ain't me, it ain't me; I ain't no fortunate one, one.
It ain't me, it ain't me, I ain't no fortunate one, no no no,
It ain't me, it ain't me, I ain't no fortunate son, no no no,
Uno de los grupos más influyentes dentro de la música popular, sobre todo porque tenía el sonido original de los comienzos del R&R fue The Flying Burrito Brothers. Poco exitosos, pero tuvieron el mérito de abrir una brecha en el camino de este tipo de musica. Miembro principal de esta agrupación fue Gram Parson, ex-The Byrds. VIDEO EN YOUTUBE.COM
Hace unos años fui, por primera vez, a Tikal, la ciudad antigua de los antiguos Mayas. Recuerdo que me sentía cansado. Me tomaba las vacaciones anuales que me correspondían por trabajar en la fábrica y no sabía a donde ir, ni cómo pasar el tiempo libre que tenía. Decidí ir a Guatemala, con la idea de ir a conocer algún sitio antiguo de mis ancestros. Una vez allá, se me ocurrió que era una buena idea ir a Tikal. Fui en avión. Pero ya el cupo estaba lleno, por lo que me puse en la lista de espera. Mi suerte fue que once turistas del norte no lllegaron, por una tormenta de nieve que había en esa zona y no pudieron llegar a tiempo. Puede volar en ese avión de 30 plazas. Lamenté ir solo, pues es una experiencia que hubiera querido compartir. Llevaba un walkman, ahora un aparato obsoleto y desconocido a las presentes generaciones. Portaba unos tres cassettes de música andina. Pensaba que era una buena idea, caminar por las antiguas ciudades oyendo esa música, originaria de nuestra madre tierra. Fue un error. Nada más lejos de los sonidos de la selva que los sonidos de las montañas; nada más lejos del Quetzal que el vuelo del Cóndor.
MÚSICA MAYA
Degustar la música puede ser lo más subjetivo que podamos entender; pero no lo podemos negar, es subjetivo. Caminando por los senderos de Tikal, solo podía oír una chirimía que llevaba grabada en una sola canción en los cassettes. Se me hacía fácil caminar entre la sombra de los grandes árboles. Y se me hacía difícil y cansado caminar y oir los ritmos andinos. Y no digo que la música de tambores y chirimías de hueso, madera o barro es mejor que la música de la quena y la flauta andina. No hay comparación y los dos tipos de música los disfruto cuando puedo hacerlo. Pero en esa ocasión, el siglo pasado, hace unos treinta años, eso me ocurrió. Lamenté no haber llevado grabaciones de música maya.
MÚSICA MÍSITCA CON INSTRUMENTOS MAYAS
Algún día tengo que ir a Ecuador, Perú y Bolivia, a visitar la tierra de los Quechúas y de otros pueblos originarios. Pero no voy a llevar música Maya. Y no es que no la tenga o pueda llevar, sino lo que digo es lo que sentí en esa ocasión. Me maravilló Tikal, y con la música andina sentí que me desconcentraba. No así con la música de tambores y chirimías.
Leo Rojas - Música ecuatoriana
La prueba es el sonido. Y lo hablo por mi. El sonido de la flauta y la queda suena mejor en las montañas, donde la vista se extiende entre las nubes, el bosque, el páramo y el vuelo del cóndor. No se oye muy bien en las selvas tupidas y húmedas del istmo de nuestro continente.
Es impresionante las variaciones musicales que se oyen a lo largo y ancho de nuestro mundo. Salvo algunos ritmos, que me parecen simples, monótonos y por lo tanto, aburridos (como el reguetón), la música siempre me sorprende y me intriga. Valga el comentario y los que siguen y seguirán, para hacer mención de artistas que nos sorprenden y gustan al oírlos o volver nuevamente a sonar en nuestros oídos.
Herbie Hancock es un ejemplo de artistas musicales que siempre nos interesa su música. Como Jazzista, también incursionó en el fusion. Y una de sus creaciones más famosas, pero no la mejor, fue Rockit, en la que hace gala no solo de su maestría en los teclados, sino en el uso de la naciente técnica electrónica.
Pero la música no sale solamente de la espontaneidad, base sobre la que descansa la creatividad musical, sino que también es nutrida de la técnica. Supe, hace unas décadas, de un director de una orquesta tropical que estudiaba solfa, pues, a pesar de tocar muy bien los teclados y de dirigir su orquesta, le faltaba enriquecer los sonidos y, sobre todo, transmitirlos a sus compañeros para que la música se oiga bien. Hancock, por cierto, no solamente fue un niño prodigio con la música, sino que a la edad de los 7 años ya tocaba muy bien el piano, tocando con la Orquesta Sinfónica de Chicago a los once años.
Por lo que he sabido, no existe ninguna teoría musical, educativa, en nuestro pais. No le vemos utilidad. Si supieramos más sobre nuestro cerebro, cómo funciona, cómo se construyen las rutas de pensamiento y que atraviesan las células cerebrales, entonces comprenderíamos la importancia de enseñar formalmente la música.
Maiden Voyage
Herbie Hancock, Terri Lyne Carrington - St. Louis Blues (Live)
No puedo dejar de pensar que Black Sabbath hizo que me decepcionara, en la época de sus álbumes Black Sabbath y Paranoid, que el rock entraba a un periodo de decadencia. Me parecían muy repetitivos, fáciles para hacer una melodía, con pocos riffs y con la simplicidad de ritmos. Hoy, reconozco que me equivoqué, a pesar que me decepciona su cantante Ozzy Osbourne, una figura mediática, distinta a la imagen que presentó en sus comienzos.
Aunque en realidad no importa. Estas características fueron su sello grupal, y personal para Osbourne. Partiendo desde Birmingham, Reino Unido, se expandieron a través del océano por los Estados Unidos. El grupo está compuesto por Ozzi Osbourne, Toni Iomi,Geezer Butler, Bill Ward. Su primer éxito fue Paranoid
¿Quién no conoce los primeros compases de Smoke on the Water? Más de alguna vez los hemos tarareado. Yo simplemente digo, esDeep Purple, no más.
La banda tuvo varias facetas. Se caracterízó por su voz principal, Ian Gillan y su tecladista, John Lord, además del bajista Roger Glover. Fue la inclusión de Ritchie Blackmore quien le dio el salto cuántico hacia el hard rock. Luego, se disolvió, pero su sonido característico ha perdurado en el recuerdo de muchos. Valga la aclaración, cuando oí por primera vez a Chickenfoot, pensé que era Deep Purple Reloaded, y me parece que no estaba tan perdido, pues Joe Satriani tocó con ellos.
Uno de sus primeros éxitos fue Speed King, en donde se puede oír la poderosa voz de Ian Gillan.
Speed King
Luego le siguió el éxito Strange Kind of Woman. Hasta que llegó la ya mencionada Smoke on the Water.
Smoke on the Water
Reconozco que este grupo fue uno de mis favoritos y siempre me pareció que la mejor versión del Jesu Christ Superstar fue la versión de estudio, sobre todo porque Ian Gillan llevaba el principal personaje de la ópera. Y aunque estoy escribiendo sobre Deep Purple, pongo este vídeo de Ian Gillan como Jesus.
Ian Gillan - I only wan to say
Pero Deep Purple siguió cosechando éxitos, tal como Black Night y Fireball. El álbum Made in Japan tuvo éxitos que aún todavía degusto despacio y en la tranquilidad de cualquier día agitado y estresado.
Lo que me resulta duro de entender es la muerte de Marvin Gaye, la forma en que fue asesinado por su padre y la caída que, como ser humano, había caído en las drogas y la depresión. Una de las mejores canciones de la década de los 70s resultó ser What´s Going On, una canción llena de vida y de alegría, en contra de la guerra y la violencia, a favor de la vida y del amor.
What´s going on
Marvin Gaye fue un inconformista toda su vida. Casado con Anna Gordy, hija de Berry Gordy, de los discos Motown, comenzó como cantor en su iglesia pentecostal en Washington D.C. Su primer éxito se limitaba a seguir la moda de ese tiempo: Pride and Joy
Pride and Joy
Marvin Gaye cosechó muchos éxitos, no solamente como cantante solitario, sino en compañía de Tammi Terrel, con quien grabó canciones que fueron éxitos. A Tammi Terrel se le desarrolló un tumor cerebral , por el cual también Gaye sufrió muchísimo.
Tammi Terrel & Marvin Gaye: Ain´t no mountain HIgh Enough
Los éxitos que se recuerdan mucho y que se han constituido clásicos vinieron después de la tragedia: I heard it through the Gravpevine y Sexual Healing. De esta última canción, bellísima, solo puedo decir que no puede contrastarse con la letras actuales, en donde la vulgaridad y simplicidad de éstas hacen del amor y su actividad sexual un rudo encuentro de boxeadores mal entrenados.
Sexual Healing
Una discución enter su padre y él, más una pistola recién adquirida, resultó en la muerte de Marvin. El pastor, su padre, le reclamaba dinero que Marvin nunca le había dado.
Marvin Gaye - Heard It Through The Grapevine
Con su muerte violenta, la música popular quedó sin uno de sus mejores exponentes.
Paul McCartney, el principal compositor de The Beatles, es el que más le ha dado a este grupo y su legado y el que más se integró a la corriente que, según Daniel Estulin, promovía el cambio de paradigmas de la humanidad. Pero esto es un tema que puede discutirse y que tiene muchas verdades y muchas mentiras.
Su vida dentro de la banda fue muy productiva, pero fuera de la banda, también fue más que exitosa. Dentro de la banda, se perfiló para ser la parte controversial y superficial. Mucho se especulaba sobre su muerte, sobre todo con su canción I´m The Walrus, o en su disco Abbey Road, en cuya portada camina descalzo por la banda peatonal de la calle.
With a Little Help of My Friends
Como solista, o mejor dicho, fuera del grupo The Beatles, Paul McCartney fue el Beatle más existoso, económicamente hablando. A mi gusto, perdió la magia que tenía en compañía de John Lennon, sus canciones me parecieron demasiado comerciales, pese a su gran calidad. Pero esa es mi persepción.
Coming Up
Lo cierto es que Paul McCartney supo manejar el cambio entre la música de los 60s y los 70s. Con la formación de Wings (en la que colaboró Denny Laine, ex-The Moody Blues), su éxito como ex-Beatle, se consolidó.
Mull of Kintyre
Flaming Pie
No hay duda que el éxito de Paul McCartney en todo lo que emprendió se le pegó como ostra a la piedra. No es posible negarlo; pero, repito, no es uno de mis favoritos.
