En la década de los 50's, el R&R nació con mucha estridencia y llenó todos los espacios juveniles de la época. Algo habría que hacerse para mantener el equilibrio con el que la música popular existía en la época. Ricky Nelson vino a llenar ese vacío que equilibraría el ambiente. Bien parecido, con música romántica tranquila, vino a llenar el vacío en el que había la época.
Nacido en N.J., en el pueblo de Teanek, en 1940, transcurrió su vida entre artistas y medios artísticos. Casado en varias ocasiones; vino a convertirse en cuñado de Mark Harmon, el detective de la serie televisiva NCIS.
Sus éxitos musicales se cuentan arriba de las cincuenta melodías. Todas, dentro de la lista de los éxitos que recopila Billboard.
A pesar de tener miedo a viajar en avión, en diciembre de 1985 su avión se estrelló, matándolo a él y a seis compañeros de vuelo más. Dos, lograron sobrevivir.
Ricky Nelson - Hello Mary Lou
Su primer éxito fue Poor Little Fool. Muy lejos, por supuesto, de los ritmos más fuertes y frenéticos del R&R que ya había nacido y se fortalecía.
De la música Country estadounidense me ha gustado mucho la canción Sixteen Tons, cantada por primera vez por Merle Travis, hace más de 60 años, y que ganó terreno entre los cantantes con voz barítona o bajo, pues la melodía exige estos tonos. La canción es sobre la vida de un minero; pero, dentro del contexto en el que se mueven las sociedades occidentales en estos actuales años (y se espera que dentro de los siguientes -esperando que sean los menos posibles), es muy moderna.
¿Quién no ha cantado esta canción? La cantidad de cantantes que ha cantado esta melodía es bastante. Entre ellos se encuentran The Weavers; Bo Diddley; el catalán José Guardiola; el mexicano Alberto Vazquez; Stevie Wonder; Tom Jones; Johnny Cashy otros muchos más, incluyendo el Coro del Ejército Rojo de la ex-Unión Soviética.
La letra de la canción dice así:
Sixteen Tons
Some people say a man is made outta mud
A poor man's made outta muscle and blood
Muscle and blood and skin and bones
A mind that's a-weak and a back that's strong
You load sixteen tons, what do you get
Another day older and deeper in debt
Saint Peter don't you call me 'cause I can't go
I owe my soul to the company store
I was born one mornin' when the sun didn't shine
I picked up my shovel and I walked to the mine
I loaded sixteen tons of number nine coal
And the straw boss said "Well, a-bless my soul"
You load sixteen tons, what do you get
Another day older and deeper in debt
Saint Peter don't you call me 'cause I can't go
I owe my soul to the company store
I was born one mornin', it was drizzlin' rain
Fightin' and trouble are my middle name
I was raised in the canebrake by an ol' mama lion
Cain't no-a high-toned woman make me walk the line
You load sixteen tons, what do you get
Another day older and deeper in debt
Saint Peter don't you call me 'cause I can't go
I owe my soul to the company store
If you see me comin', better step aside
A lotta men didn't, a lotta men died
One fist of iron, the other of steel
If the right one don't a-get you
Then the left one will
You load sixteen tons, what do you get
Another day older and deeper in debt
Saint Peter don't you call me 'cause I can't go
I owe my soul to the company store
La diferencia con la realidad actual es que ya las tiendas no fían. Hoy todo se carga a la tarjeta de crédito, que no es lo mismo, sino de mucho más alcance. De todas formas, nos lamentamos que San Pedro no nos llame y nuestra alma pertenece al banco.
Debo reconocer que estamos algo lejos de Uruguay. Pero vale la pena responder la pregunta. ¿Quién es Hugo Fattoruso?
Hugo Fattoruso es un joven de 65 años, con la sangre caliente, le hierve,
cuando toca música. Su padre, según lo que él dice, era un hincha del Peñarol,
pero él se queda indiferente del futbol. De su juventud tiene el honor de haber
impulsado el Rock&Roll en nuestra latinoamerica. Y, como pionero ingenuo,
comenzó cantando canciones en inglés, con el grupo Los Shakers, con una pinta
de grupo inglés.
Aunque fue cantante, guitarrista, él sostiene que su
instrumento preferido es el acordeón. Lo cierto es que Hugo es un músico con
una gran variedad de facetas. Ha tocado con casi todos los músicos de nuestro
continente: Chico Buarque, Litto Nebbi, Rito Paez, Adriana Varela y otros más
que quitan el aliento.
3 de febrero de 1959 murió la música, según la canción "American Pie" de Don McLean. En esta fecha murieron Buddy Holly, Ritchie Valens y J.P. Richardson (The Big Bopper). Murieron en un accidente de aviación. Se dice que fue un error del piloto, que no estaba calificado para volar con instrumentos y el vuelo tomó vuelo en una tormenta de nieve. Algunos dicen que el avión tenía el nombre de "American Pie", pero realmente no tenía nombre, sino su licencia ( N3794 N)
Buddy se casó con María Elena Santiago, joven puertorriqueña de Nueva York, meses antes de su muerte. Su padre no estuvo de acuerdo con este matrimonio. El grupo de Buddy se llamaba The Crickets, los que permanecieron unidos después de la muerte del líder de la bando.
La apariencia de Buddy Holly, con gafas, saco y corbata, no parece ser un icono del Rock. Pero su influencia se puede trazar en canciones de The Rolling Stones y de Paul McCarney. Buddy y su grupo vendieron su primer millón de copias para Brunswick Records en 1957, con "That'll be the Day". La muerte lo convirtió en leyenda.
Gary Busey interpretó a Buddy Holly en The Buddy Holly Story, en 1978. En lo personal me gustó mucho su actuación, sobre todo por la contradicción de caracteres entre Buddy Holly, introvertido, y Gary, extrovertido.
¿Que es el Blues? Mucha gente habla del blues, que el blues es por acá, por allá. Pero, .. Cuando tú no tienes dinero, tu tienes el blues. Cuando no tienes dinero para pagar tu casa, tienes el blues. De esta forma define lo que es el Blues Howlin' Wolf, cuyo nombre civil fue Chester Arthur Burnett. Hijo de plantadores de algodón, Howlin' Wolf trabajó de granjero en la década de los 30. Sirvió durante la Segunda Guerra Mundial en el ejército norteamericano. El origen del nombre, entre tantas versiones, le viene de cuando su abuelo le contaba historias sobre lobos de esa parte del país. Le advertía que sí él se portaba mal los lobos vendrían aullando a buscarlo. Cuando creció, Burnet llegó a medír 1.90 m. y pesaba 143 kilos, por lo que le pusieron apodos como "Bull Cow" y "Big Foot Chester". Wolf vagó por el Delta durante algún tiempo en compañía de Robert Johnson y Rice Miller (Sony Boy Willamson) que se caso con la hermana de Wolf y le enseño a tocar la armónica. Charles Patton le enseñó a tocar guitarra. Sin embargo la mayor parte del tiempo estuvo trabajando en el campo con su familia.
Sam Phillips, Sun Records, le gravó su primer discos.En alguna ocasión dijo:"Cantaba con su maldita alma". Wolf ha sido calificado de primitivo, pero basta oírlo cantar para entender la fuerza que hay detrás de su canto y de su ritmo. Howlin' Wolf se convirtió en el principal rival de Muddy Waters en la escena del blues de Chicago. "Me trasladé a Chicago en 1952 o 1953. Tenía un coche de cuatro mil dólares y 3900 dólares en el bolsillo. Soy el único que se marchó del sur como un caballero" le relató Wolf a David Booth en una entrevista. Howlin' Wolf fué presentado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1991.Sus temas más conocidos son: Moaning' at midnight, Forty-Four, Spoonful, entre otros. Led Zeppelin se inspiró en Killing Floor para su canción The lemon Song.
Unos dicen que el Rockabilly es un subgénero del R&R.
Otros, que es algo entre el Rock y otro género de música. Es que el Rock es
como un Huracán que nace en lo más profundo del mar. Mientras que el Rockabilly
es un vendaval, fuerte, pero limitado. Tal vez será porque el Rock tiene su
origen en el Soul y el Soul, como dice Howlin’ Wolf, nace cuando la gente sufre.
El Rockabilly es Rock and Rock “bonito”.
Aunque, para ser sinceros, también nace de la rebeldía natural de la
juventud y el deseo de expresarse.
Jimmie Rodger
Bill Monroe
El Rockabilly es un término que nace de la unión de las
palabras Rock y Hillbilly. Y el término Hillbilly hace referencia a la música
campesina de los Estados Unidos (campirana, dirán algunos). Dos de los más
famosos patriarcas de este género, Hillbilly, son Jimmie Rodgers y Bill Monroe.
En los años cincuenta, el Hillbilly influyó en músicos que
grabaron en el Sun Studio de Sam Phillips. Podemos disfrutar de algunos temas
de Roxkabilly con:
Bill Haley: Rock Around the Clock, de 1954
Elvis Presley:
Mystery Train, de 1955
Carl
Perkins: Blue Suede Shoes, de 1956
Gene
Vincent: Race With the Devil, de 1956
Johnny
Burnette Trio: The Train Kept A- Rollin, de 1956.
"Homo sum; humani nihil a me alienum puto." No pude dejar de recordar esta frase cuando comencé a leer sobre Rhytm and Blues y encontrarme con Johnny Otis, uno de los iconos de la música de los 1950 y uno de los "padrinos" de este tipo de música. Griego, nunca entendió las barreras del color de la piel y vivió tocando esta música, cuyos orígenes se encuentran en el blues, jazz, hard bop y gospel. Y comienzo con este músico, pues me sorprendió encontrar, en las fuentes del Rock and Roll a un músico de su altura humana. Al final de su vida se dedicó a la ecología y a la política activa.
El Rhytm and Blues es un término acuñado por Jerry Wexler, en 1949, cuando cambió el nombre Race Record, grabaciones de raza. Obviamente, el racismo de la época era más evidente en esa época. Pero la música no es un tesoro en manos de unos cuantos, sino que pertenece a toda la raza humana. Toda.
El R&B tuvo su origen, por lógica, en el sur de los Estados Unidos de América, trasladándose al norte, en donde el piano y el saxofón se apartaron del liderazgo en los ritmos, para dar paso a la guitarra y a la armónica.
Se considera que los mejores intérpretes del R&B, de esa época, son:
Se nota el ritmo que influyó en los primeros años del R&R, sin las guitarras eléctricas. Actuó en el Carnegie Hall en 1938 y su nombre y su calidad era conocido en los locales de la Calle 52 de Harlem. En los años cincuenta, sus apariciones fueron ligadas al nacimiento del Rhythm and Blues y su álbum para Atlantic grabado en 1956 y titulado: "The Boss of the Blues" junto a Joe Newman, Laurence Broon, Frank Wess, Freddie Green, Walter Page y su viejo amigo, Pete Johnson, fue un éxito extraordinario que le abrió las puertas en el mundo del jazz. Cantante de voz plena y tonos de barítono, Big Joe Turner, fue una de las grandes voces negras del blues de Kansas City y su influencia en centenares de cantantes es innegable.
1954, un año que no está muy lejos, musicalmente, ¿no?
Nacido en Rolling Fork, cerca de Clarkdale, Mississippi fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940.
Muddy Waters se crió junto a sus abuelos desde que murió su madre, cuando él tenia sólo tres años. Fue precisamente su abuelo quien le enseñó a tocar la armónica a los ocho años y a los quince empezó a aprender guitarra, influido por la música de Robert Johnson, abuelo del blues.Su disco de 1972, They Call Me Muddy Waters, fue premiado con el Grammy, al igual que The London Muddy Waters Sessions (1973) y The Muddy Waters Woodstock Album (1976).
Ya en 1955 hacía histéricas a los fanáticos. El verdadero nombre de Bo Diddley era el de Ellas Bates, nacido el 30 de diciembre de 1928, en la localidad estadounidense de McComb, radicada en el Estado de Mississippi. En 1958 apareció su primer LP, "Bo Diddley", un disco imprescindible que contenía esenciales clásicos de su carrera como los citados "I'm a man", "Bo Diddley" o canciones inmortales del estilo de "Before you accused me", "Diddy Wah Diddy", "Who do you love?" o "Pretty Thing", pieza que sirvió para bautizar a la banda británica The Pretty Things.
Se dice que es su mejor blues, pero creería que deberíamos dudarlo y oír todo su repertorio, magnífico! Casi 2 metros de altura y 150 kilos de peso en sus días de dieta, Wolf era la fuerza primitiva de la música en todo lo que conlleva esta expresión. Robert Johnson poseía un talento lírico, Muddy Waters mucha dignidad y B.B. King tiene mucha técnica, pero ninguno de ellos tuvo la habilidad singular de poner a bailar un teatro entero hasta sus bases mientras, de forma simultánea, asustaba a sus fanáticos.
Fue el creador y máximo exponente del boogie, una derivación cruda y contundente del blues tradicional cuya influencia en el rock ha sido incalculable: desde los Rolling Stones o los Doors hasta Carlos Santana han interpretado sus canciones.
Transcribo este interesante artículo sobre el Hip-Hop. La música no solo nace para la diversión, sino que es la expresión de seres humanos, en cualquier condición en la que se encuentren.
El rol de la cultura hip-hop en la construcción de la identidad afro y la lucha contra el racismo en EEUU
Por Enric Castellanos.
Rap y Hip Hop, hip hop y rap, aunque todavía hoy en día hay opiniones diferenciadas, la explicación más aceptada para dar respuesta a la pregunta de qué diferencia hay entre estos dos conceptos es la de que el rap es la parte musical del Hip Hop, el rap forma parte del Hip hop, donde el Hip Hop es la cultura entera, todo el movimiento, compuesto por la música (MC y DJ), el baile (B-boying) y el arte (grafittis).
Nos situamos a finales de los años 60 del siglo XX en Nueva York, la guerra de Vietnam estaba más de actualidad que nunca y ya hacía unos años que hombres como Malcolm X o JF Kennedy habían sido asesinados. Desde los años 50 se había producido una gran ola inmigratoria de familias puertorriqueñas a zonas de la ciudad como East Harlem en Manhattan, Brooklyn y más adelante en el Bronx, pero fue la década de los 60 y 70 cuando estas migraciones aumentaron. Eran tiempos difíciles, de miseria y penurias para muchos habitantes de la ciudad. Esta oleada de inmigrantes hispanos transformó considerablemente la distribución de comunidades en los diferentes barrios neoyorkina, en los que hasta entonces predominaban familias italianas, irlandesas, judías, etc. Estos nuevos inquilinos llevaron su religión, cultura, música y bailes a la "Gran Manzana".
Al hablar de las migraciones puertorriqueñas no podemos olvidar a los afroamericanos, que vivían como podían en estos barrios apartados, y que con la llegada de familias del caribe tuvieron que compartir su lugar de residencia con personas de otra etnia.
El Rap nació en Nueva York a finales de los años 70 en la zona de South Bronx, como en muchas ciudades de Estados Unidos los negros fueron segregados en barrios aparte, y en el caso de Nueva York, los afroamericanos, junto con los latinos (la mayoría puertorriqueños), fueron segregados en South Bronx, Harlem o Bedford-Stuyvesant. Asimismo podemos ver que en Los Angeles (California), en barrios como Compton, Watts o South Central, donde también fueron segregados los afro-americanos, mexicanos y centro americanos, nació el género Gangsta Rap a principios de los 90, dado que era una forma de expresar lo que ellos estaban viviendo en aquella época.
En aquella época era bastante habitual que los jóvenes de estos barrios marginales (ghettos) estuvieran asociados a Gangs ("pandillas"). Estas gangs eran bandas callejeras que se enfrentaban para dominar zonas del territorio. Una de las gangs más famosas en el barrio de Bushwick en el Distrito de Brooklyn (NY) eran los DevilRebels. Estas gangs acostumbraban a vestir como bandas de moteros: chaquetas y pantalones de cuero, pañuelos a la cabeza,... Una de las maneras en que las gangs se diferenciaban entre ellas era llevando el nombre de su "crew" en la espalda de la camiseta o chaqueta.
A finales de los 60 y principios de los 70, en Knickerbocker Park, en el barrio de Bushwick (distrito de Brooklyn), un chico conocido como Rubberband solía bailar al son de las "congas" que tocaban un grupo de personas que acostumbraban a reunirse en algún parque para ensayar juntos o también de la radio cuando el grupo de músicos no se reunía. Rubberband captó enseguida la atención de muchos ya que su forma de bailar y seguir la música de los tambores era realmente espectacular. Rubberband, que inicialmente bailaba una mezcla de pasos de Fred Astaire, Gene Kelly, Salsa, Hustle y Lindy Hop, empezó a incluir nuevos pasos mucho más marcados de acuerdo con los diferentes ritmos y sonidos que desprendían los tambores. De ahí nació el Rocking. Rubberband y Apache eran dos jóvenes del barrio de Bushwick que solían juntarse con miembros de los DevilRebels y otras bandas locales. Es por eso que inicialmente el Rocking era un baile de "pandilleros". Pero el baile se hizo tan popular que enseguida otros chicos del barrio que no pertenecían a ninguna gang lo empezaron a imitar. Apache, al contrario que RubberbandMan se caracterizó más por 'jugar' con el que la canción le sugería; los llamados burns (es la manera en que un Rocker gesticula con los brazos y manos para imitar y asaltar al oponente para así humillarlo, sin llegar a tocarlo. Por ejemplo: bailar mientras uno se peina el pelo y volviendo luego el cepillo en su lugar, hacer que disparas, imitando al otro con más estilo, ... siempre con la fin de demostrar que uno es mejor Rocker que el otro). En los burns es la imaginación de los diferentes Rockers lo que realmente les diferenciaba. Uno debía improvisar la manera en como humillar a su oponente de la forma más imaginativa posible y con el mayor estilo posible, a la vez que seguía la música y sin llegar a tocar nunca al otro Rocker.
Ritmos de soul, rock y funk acompañaban estos primeros b boys, que bailaban en su mayoría una específica y exclusiva colección de canciones que contenían un ritmo de conducción dura. Un ejemplo de este tipo de canción es el clásico uprock "It 's JustBegun" del músico de jazz y funk Jimmy Castor.
A lo largo de la década de 1960 y 1970, Nueva York era el hogar de las gangs de calle. Se convirtió en algo común ver a miembros de gangs en cada esquina de las calles bailando entre ellos.
El baile se hizo tan popular que para no confundirlo con la música 'rock' se le empezó a decir "Uprocking". El baile era tan enérgico y visual que no tardó en extenderse rápidamente por otros distritos de Brooklyn. Así pues se empezaron a formar diferentes grupos de uprockers que batallaban entre ellos, en parques, block parties o pistas de baloncesto.
Muchos veían el baile como una alternativa a las drogas, a las gangs, a las mafias y a los problemas diarios de vivir en una barriada como la de Brooklyn, en la que uno tenía que ser muy precavido y espabilado para estar de buenas con todo el mundo y no meterse en problemas. Por eso los jóvenes se lo tomaban muy en serio, y eso se podía ver en la energía que desprendían a la hora de bailar, pero siempre respetando al oponente (manteniendo la distancias). El público era el juez. Hasta entonces todo el baile era de pie, aún no se "bajaba al piso".
En cuanto a la proliferación del baile más allá de las "fronteras" de Brooklyn, la teoría es que en algún punto, seguramente en un club de Manhattan, chicos del distrito del Bronx, al norte del distrito de Manhattan, vieron bailar a otros chicos de Brooklyn. En esta época el barrio del Bronx estaba predominado por población pobre negra (afro americanos, jamaicanos, etc.) Y una minoría hispana (puertorriqueños, dominicanos...). Al igual que en Brooklyn, las diferentes comunidades conservaron y transmitieron a las generaciones más jóvenes su cultura, su música, su baile, etc. Por este motivo el baile evolucionó tan rápidamente en el Bronx.
Uno de los personajes clave en la historia del Bboying tal y como lo conocemos hoy en día fue James Brown. James Brown era un artista plenamente consagrado a finales de los 60 'entre la población negra de Estados Unidos gracias a la larga lista de éxitos que durante toda esta década fue acumulando, entre ellos su disco de 1963 "Live at theApollo" (Apollo es un teatro en el barrio de Harlem en el distrito de Manhattan).
Así es como empezó a asomarse esta cultura conocida como Hip Hop, con el baile en la calle, en cada esquina, en cada barrio, y sobre todo, insistir en que el b-boying nació como rechazo a la música disco y las discotecas que tan de moda estaban en aquella época (años 80, Fiebre del Sábado Noche,...) donde sólo podían acceder los jóvenes con familias bien aposentadas económica y socialmente de la ciudad.
En cuanto a la parte musical de la cultura hip hop neoyorkina, esta se deriva de las "block parties" (fiestas comunales en la calle o pisos) de Clive Campbell en 1520 SedgwickAvenue del barrio del Bronx en Nueva York. El hip-hop creció en todo el Bronx, pero 1520 fue un punto de partida donde Clive Campbell, más tarde conocido como DJ KoolHerc, presidió las fiestas de la comunidad en un momento crucial en la historia del género. Se considera el barrio de DJ KoolHerc como lugar de nacimiento del rap y la cultura hip hop.
DJ KoolHerc, originario de Jamaica, se dio cuenta de cómo el público se exaltaba cada vez que sonaba la parte más rítmica de las canciones de James Brown, en las partes donde no había letra; los llamados breaks. DJ K Herc decidió entonces coger la aguja del tocadiscos y manualmente devolverla al punto de la canción en el que había empezado el break de ésta para extenderlo tantas veces como él deseaba. En la fiesta que DJ K Herc dio al 1520 de la avenida Sedgwick en el distrito del Bronx por el cumpleaños de su hermana, Herc utilizó dos discos del mismo álbum para reproducirlos uno detrás de otro y conseguir el mismo efecto que inicialmente consiguiese manualmente al mover hacia atrás la aguja del tocadiscos: extender el break de la canción. Esto se dio a conocer como break beat y fue lo que permitió evolucionar el baile, y en el que muchos optaron por experimentar con diferentes estilos. A todos estos chicos y chicas que asiduamente acudían a las sesiones de DJ KoolHerc para demostrar su talento bailando durante los extensos breaks artificialmente creados por el DJ, se les conocía popularmente como bboys o Bgirls (Break boys / girls).
Durante esta época e inspirado por DJ KoolHerc, el DJ AfrikaBambattaa se hizo notablemente famoso en el distrito del Bronx. Fue él mismo quien se dio cuenta del cambio que la música, el baile, y la pintura estaban provocando en las juventudes de su barrio. Estos elementos - música, baile, y graffiti - eran una vía de vida alternativa a las gangs, las drogas, y la mala vida tan tristemente comunes en barriadas pobres como la del Bronx o Brooklyn. De ahí su rápida expansión entre los jóvenes de los diferentes distritos.
A finales de los años 60 se vio una explosión de nombres sobre edificios y paredes en todas partes de la ciudad de Nueva York, grupos de graffiteros tejían su camino con lemas políticos que reflejaron el cambio social de una nación. El signo de la paz era ubicado alrededor de recintos universitarios (recordemos que el país estaba inmerso en la guerra de Vietnam) y la militancia afroamericana fue vista pintando mensajes con spray de: Free Huey ("Liberen a Huey", destacado miembro del Black PantherParty) y Off Tha 'Pig (' abajo el cerdo ', en la jerga, "cerdo" significa' policía '). En la mayor parte de los barrios donde las vecindades eran de mayoría puertorriqueña, había banderas de esta nacionalidad pintadas por todas partes con la expresión "Viva Puerto Rico Libre".
La primera generación de graffiteros fue a Nueva York a principios de los 70, ayudados con la aparición de la pintura en aerosol, comenzaron a escribir sus tags asignando un número al nombre que habían escogido. La mayor parte de los números reflejaban la numeración de la calle en la que los autores vivían, por ejemplo: Taki 183, SEN TFK, franquean 207, Tree 127, Julio 204, Cay 161, Junior 161, Eddie 181; eran todos los graffiteros del lado superior del oeste de Manhattan.
En un intento por definir lo que estaba sucediendo en su propio barrio, AfricaBambattaa decidió darle el nombre de Hip Hop a este nuevo movimiento, y el cual incluía baile, música, y pintura. Era una nueva cultura con raíces muy diversas ya la que todo el mundo era bien venido. ¿Su filosofía?: "Peace, Love, Unity, and HavingFun".
AfrikaBambataa es uno de los tres originadores de la forma de pinchar mediante break beats, y se le conoce respetuosamente como el "Abuelo" o el "Padrino". Con su adaptación de la cultura de gangs callejeros de los Black Spades a la música y a la organización cultural Universal ZuluNation creada en Bronx River en 1973, logró hacer que la cultura hip-hop se expandiera por todo el mundo.
En su origen, Universal ZuluNation se conocía como la "Organización" y proponía una alternativa pacifista a los diferentes gangs violentos que controlaban buena parte de los barrios desfavorecidos de Nueva York. De hecho, la Organización era, más que una realidad concreta, un denominador común bajo el cual se reunían un puñado de individuos que rechazaban las intenciones belicosas de las gangs, prefiriendo el espíritu conciliador de las veladas de música y baile organizadas en las calles del Bronx.
Estos djs pioneros, como Herc o Bambattaa, se decantaron exclusivamente por la parte instrumental, el DJing, y dejaron la parte del MCing (la voz) a sus amigos: Coke La Rock y Clark Kent. Estos dos MCs junto pm el DJ KoolHerc crearon el primer grupo de MC 's llamados KoolHerc y theHerculoids.
MC, siglas de Master of Ceremonies (maestro de ceremonias), es el apelativo que se les aplicaba originalmente a las personas al empleo de las cuales era animar al público en fiestas donde la música era pinchada por un DJ. El término se empezó a utilizar a inicios de los años 80, cuando los DJs comenzaron a presentarse con animadores en las fiestas en las que participaban. Una de las primeras canciones que popularizó esta palabra es Suckers MC 's de Run DMC, tema de 1983.
El punto culminante de esta época fue cuando en la ceremonia de clausura de las Olimpiadas de Los Ángeles de 1984 aparecieron más de 100 bboys y Bgirls en escena, entre ellos Orko de Rock SteadyCrew y Air ForceCrew.
El hip hop se convirtió en el movimiento cultural dominante de las minorías que poblaban las comunidades urbanas en la década de 1980. La misma década también vio a muchos artistas haciendo declaraciones sociales a través del hip hop. En 1982, Melle Mel y BooteeDuke grabaron "TheMessage" (oficialmente acreditado a Grandmaster Flash y TheFuriousFive), una canción que anunciaba los estados de conciencia social de la población afroamericana.
Podría decirse que Malcolm X es la mayor fuente de inspiración de la cultura hip-hop. La mayoría de los "raperos" conectan con la historia de la vida de Malcolm X de sobrevivir en una sociedad injusta con ellos, ser un joven con problemas, buscando la mejora personal y vivir día a día con los males de la comunidad negra en Estados Unidos . Discursos de Malcolm X han sido utilizados por artistas de rap como PublicEnemy, Dead Prez o MosDef.
Pero si hay que destacar algún artista comprometido con la lucha política por la justicia social y racial estamos prácticamente obligados a hablar de Chuck D, pionero del rap, activista negro y líder del grupo musical PublicEnemy, que siempre ha reivindicado el vínculo entre música y política .
"Siempre había música en la casa de mis padres. Ellos tenían muchos discos y la música estaba siempre, por todos lados. James Brown, SonnyRollins, muchos. La música era todo en las casas de los negros en los años 60 y 70. Y tambiénescuchabaLed Zeppelin, The Rolling Stones, The Beatles, Johnny Cash. La música era música y no entendía de diferencias raciales. La música mantiene a la raza humana unida y son los gobiernos los que la separan. "- Dijo Chuck D en una entrevista en el 2011.
PublicEnemy se formó en 1982 e irrumpió en la escena neoyorkina con un fuerte contenido político y letras que reflejaban lo que la comunidad negra podía y no podía hacer. Ninguna música negra había tenido el componente de enfrentamiento radical que ofrecía el rap. El rock, el pop y el punk, los tres fenómenos socio - musicales fundamentales de los últimos 30 años, fueron movimientos encabezados por blancos.
Me gustaría volver a parafrasear a Chuck D para terminar de entender lo que sentían aquellos jóvenes negros, en este caso es un trozo de la letra de la famosísima canción "Fightthepower" del propio grupo (1989), que dice así: "Elvis fue un héroe para la mayoría, pero nunca significó una mierda para mí. Un racista es lo que este jodido era, sencilla y llanamente. Que se jodan él y John Wayne, porque soy negro y me siento orgulloso". La idea que querían transmitir no podía estar más clara, el planeta negro resurgía, con el rap volvió el poder negro, las teorías de Malcolm X y la música de calle. Y PublicEnemy fue, es y será uno de sus líderes.
En el mejor de los casos, el hip hop ha dado voz a los sin voz en todo el mundo y a los pobres, sobre todo en los centros urbanos y los barrios que sufren de deterioro urbano, y ha mostrado su ingenio y su talento artístico a una escala global. En el peor de los casos, el hip hop se ha reflejado en los peores aspectos de la cultura dominante que en muchas ocasiones desafió: el materialismo, el sexismo, el racismo interiorizado y una apatía hacia el intelectualismo.
El hip hop ha sufrido muchos cambios en su evolución hasta la actualidad, pero sin dudas, el gran cambio ha sido que ahora, la música de los artistas representa más a las compañías que a la gente. Por otra parte, creo que esto sucede especialmente en Estados Unidos, mientras que en el resto del mundo la esencia del hip hop es cada vez más fuerte y sigue siendo el único lugar donde poder expresarse políticamente en el ámbito musical.
Para terminar el artículo, me ha parecido adecuado hacerlo volviendo a parafrasear una persona experta en el tema, en este caso una mujer, la doctora Gaye Theresa Johnson, profesora de la Universidad de California, especializada en Estudios Negros y pareja del cantante Chuck D, mencionado anteriormente. Y dice así: "Creo que esto tiene que ver con que el hip hop es el único lugar donde la gente tiene voz. Y esto es una realidad no sólo para la gente negra. Porque la gente que trabaja en el negocio de la música hoy no son músicos, son abogados, y ellos no tienen contacto con la clase trabajadora, pero el hip hop todavía tiene la posibilidad de servir un mensaje de unidad y al mismo tiempo con conciencia crítica. El hip hop hace las preguntas que nadie quiere hacer”.
Quisiera poder numerar a los mejores bateristas del mundo. Imposible, aunque tengo mi preferencia por Moon, pero realmente no se puede dejar de mencionar a cientos de bateristas. Los más famosos, y que son reconocidos por muchos, quedándose en el tintero otros nombres, son:
John Bonham
Murió en el signo de libra, un 25
de septiembre, con 32 años de edad. Formó parte de uno de los mejores grupos de
rock de todos los tiempos, Led Zeppelin. Su estilo, fuerte y sencillo, es algo
de que no se olvida fácilmente. Solo se puede decir que fue un baterista bárbaro. Y es una lástima que haya muerto por
sobredosis en una edad muy temprana.
En lo personal creo que es el mejor
baterista del mundo del rock. Incluso John Bonham dijo “yo soy el mejor
imitador de Keith Moon”. Murió en el signo de Virgo, a los 32 años de edad, por
sobredosis de drogas. No fue el baterista original de The Who, pero, según cuentan Roger Daltrey y
Pete Townshend, fue en uno de los conciertos en que tocaron que se les acercó
Keith diciéndoles que él tocaba mejor que el baterista, que estaba sustituyendo
al baterista original del grupo y que los había abandonado. No solo pasó la
prueba, sino que le imprimió un dinamismo nuevo. John Entwistle, el bajista,
también coincide con el resto de la banda en que, en los conciertos, Moon
aceleraba bastante el ritmo, convirtiendo el escenario en una fuente de energía
poderosa.
Es el baterista de la banda Rush. Muy bueno,
con influencia que reconoce de Bonhan y Moon (faltaba más, faltaba menos, como
decía Pedro ). El 1966 fue condecorado,
junto a su grupo, con la Orden de Canadá. Aunque es un arte, también es un modo
de generar divisas para cualquier país.
Guitarrista de
Foo Fighter, fue baterista de Nirvana. Con
la muerte de Kurt Cobain, dejó el grupo y formó su nuevo grupo. Con la música desde su niñez, su paso por los
diferentes grupos que ha formado ha sido notorio.
Ringo Starr Richard Starkey, conocido como Ringo, es el cuarto Beatle. Phil Collins dijo alguna vez que si alguien no se ha fijado en Ringo, que lo oiga en A day in the life y que trate de imitarlo.
Y aunque se pueden encontrar algunos videos
con algún solo de batería de Ringo, hay que tener en mente que The Beatles no
eran conocido por el virtuosismo individual, sino por formar un grupo muy
cohesionado y que, hay que decirlo, cambiaron el aspecto de la música popular.
A los 77 años de edad trascendió
esta tierra, pero dejó grabados algunos solos de batería muy buenos. Era
baterista de Jazz, famoso por su rapidez de muñeca. Cuando lo vi tocar me lamenté no tener la
habilidad de tocar como este caballero. Y me hizo pensar en la enfermedad que
padecen los viejos con mayor frecuencia, Alzaheimer. Según parece, entre los
músicos no existe este padecimiento. Ya veo por qué.
Baterista de The Police.
Considerado como el segundo mejor baterista de todos los tiempos por la revista
música Q. Bueno, es una opinión respetable. Y casi estoy de acuerdo, pero debo
admitir que uno se ve influenciado por el gusto personal. Con 60 años en la
actualidad, todavía saca ritmos muy buenos con su grupo de tambores.
Considerado el inventor del solo
en el mundo del rock. Tocó con The Cream, con uno de los mejores guitarristas
de todos los tiempos. Su solo más conocido es el que tocó en Toad.
Pero decir que estos son los mejores bateristas de todos
los tiempos es dejar por un lado a una gran cantidad de músicos que han dejado un legado grabado de
sus ritmos.
Los mejores instrumentos se asocian siempre a los mejores
músicos. Veamos lagunas de las cinco
guitarras más conocidas en el mundo del Rock.
. Les Paul – Gibson
Diseñada por el
músico Lester William Polsfuss (Les Paul).
Es la más conocida en este ambiente. ¿Quiénes son los músicos que han
tocado? Estos son Jimmy Page (Led Zeppelin), Slash (Guns N' Roses), Kirk
Hammett y James Hetfield (Metallica) y otros más.
Las
características de esta guitarra son: mango de caoba, diapasón de palo rosa y 4
controles para mayores posibilidades.
2.Stratocaster - Fender
Según algunos comentaristas,
es la mejor guitarra de la historia. Se produce desde 1954 y todavía continúa
su producción. Es utilizada en todos los géneros de la música y ha sido "copiada"
por varias marcas asiáticas debido a que por alguna razón lo único patentado de
esta guitarra es el clavijero. Es una
guitarra de cuerpo macizo, obtenido a partir de una sola pieza de madera. El
mástil va unido a él mediante atornillado, salvo en algunos modelos
estándares en que se recurre al encolado. Los músicos más famosos que tocan con esta
guitarra son, o han sido: Stevie Ray Vaughan, Kurt Cobain (Nirvana), Jimi
Hendrix, Tom Morello, Kirk Hammett (Metallica) y otros más.
3.SG -Gibson
Esta guitarra se
parece a las Les Paul, por lo que comercialmente hablando no fue aceptada. SG significa Solid Guitar. Los artistas que la utilizan, o lo han hecho,
son: : Pete Townshend de The Who, Eric Clapton en Cream, George Harrison de The
Beatles, Duane Allman de The Allman Brothers Band, Robbie Krieger de The Doors
(aunque en ocasiones usaba una Les Paul en las grabaciones), Jimmy Page de Led
Zeppelin y otros más.
4.Jem (Ibanez)
Su debut fue en
Japón, en 1987, bajo los dedos de Steve Vai, quien también contribuyó en el diseño. Se reconoce muy bien por el hueco, simulando
una agarradera, en el cuerpo de la guitarra.
Aunque Joe
Satriani también toca con guitarras Ibanez, este modelo no lo he encontrado en
su colección. No por el momento.
5.Flying V (Gibson)
Su venta comenzó
en 1958. Es una guitarra inconfundible por su forma de punta de flecha. Algunos
usuarios famosos de esta guitarra son: Jimi Hendrix, Albert King, Dave Davies,
Kirk Hammett (Metallica), Murdoc Niccals (Gorillaz)
Hay más guitarras. No son peores o mejores que
las mencionadas, pero sin las guitarras eléctricas, el sonido del Rock no sería
el que lo caracteriza.
Chuck Berry
está considerado como una de las bases fundamentales del Rock and Roll. Está considerado como uno de los mejores
guitarristas de todos los tiempos. Su estilo, rápido y furioso, todavía hace
vibrar a generaciones que lo han oído y que lo seguirán oyendo. Su influencia
en los Rolling Stones ha sido la “columna vertebral” de toda su carrera.
La leyenda,
Chuck Berry, nació en 1955, en St. Louis Misuri, con la canción Maybellene,
seguido de éxitos como Johnny B. Goode, Rock and Roll Music, Sweet Little
Sixteen, Roll over Beethoven, School Day. En 1972, tuvo un éxito con My
Ding-a-Ling.
No solamente es un
músico genial, sino que es todo un espectáculo ver sus pasos de pato y sus
gesticulaciones. Sus riffs y licksson inconfundibles,
tanto en él como en los rockeros posteriores.
Es difícil escoger las mejores canciones, pero coloco estados dos, Johnny B. Good y Roll over Beethoven. Magníficas.
Si de alguien se puede decir que hay fuerza en sus
interpretaciones es de Jerry Lee Lewis.
Se dice que no le hacía caso a su profesor de piano y, un poco autodidacta, se
dejó influir por la radio, oyendo a estrellas como Hanks Williams,
Al Jolson. Con un piano, comprado por sus padres al hipotecar su finca, por
confiar en su talento. Y tuvieron razón.
¿Cuál es su mejor interpretación? Difícil decirlo. Pero
Great Balls of Fire, considerada blasfema por el mismo Jerry (incluso le
preguntó a Sam Phillips: “¿Cómo va a salvar almas el demonio?¡Lo llevo dentro
de mi!), le dio su apodo como The Killer. La leyenda dice que en un show, en el
que se presentaba antes que Chuck Berry, le puso gasolina al piano y le prendió
fuego, gritando: “Follow that, ni**er”.
Aunque no es seguro que fue durante ese show en particular, sí lo hizo una vez
en una presentación. (Parece que encontramos la influencia de los shows de The
Who, que romperían sus instrumentos cada vez que terminaban sus presentaciones).
Con altas y bajas en su vida privada, Jerry Lee Lewis aún
sigue rompiendo pianos en giras a lo largo y ancho de su país.
Great Balls of Fire
La letra:
You shake my nerves and you rattle my brain
Too much
a-good drives a stud insane
Broke my
will, what a thrill
Give it to
me, give it to me
Great balls
of fire
I laughed
at love 'cause I thought it was funny
You came
along and moved me, honey
Changed my
mind, love is fine
Goodness,
gracious, great balls of fire
Y termino con este comentario: Si esto es blasfemo, ¡estamos todos condenados!
En la década de los 50's, el R&R nació con mucha estridencia y llenó todos los espacios juveniles de la época. Algo habría que hacerse para mantener el equilibrio con el que la música popular existía en la época. Ricky Nelson vino a llenar ese vacío que equilibraría el ambiente. Bien parecido, con música romántica tranquila, vino a llenar el vacío en el que había la época.
